Firenze : Bellezza Divina a Palazzo Strozzi
22/10/2015
Dal 24 settembre 2015 Palazzo Strozzi a Firenze propone un’eccezionale riflessione sul rapporto tra arte e sacro attraverso i capolavori di celebri artisti italiani e internazionali.
Palazzo Strozzi a Firenze ospita dal 24 settembre 2015 al 24 gennaio 2016 Bellezza divina tra Van Gogh, Chagall e Fontana, una bellissima mostra rivolta alla riflessione sul rapporto tra arte e sacro tra metà Ottocento e metà Novecento in un viaggio atrraverso oltre cento opere di grandissimi artisti italiani, tra cui non possiamo non menzionare Domenico Morelli, Gaetano Previati, Felice Casorati, Lorenzo Viani, Gino Severini, Renato Guttuso, Lucio Fontana, Emilio Vedova, e internazionali come Vincent van Gogh, Jean-François Millet, Edvard Munch, Pablo Picasso, Max Ernst, Georges Rouault, Henri Matisse. Bellezza divina rappresenta un’occasione irrinunciabile per mettere a confronto opere famosissime studiate da un punto di vista inusuale, presentate vicino ad altre di artisti oggi meno noti, il cui lavoro ha concorso a determinare il ricco e complesso panorama dell’arte moderna, non solo sacra. L’arte sacra è presentata come un “genere” che, sceso dagli altari, entra direttamente nel dibattito artistico tra Otto e Novecento riprendendo allo stesso tempo i grandi temi che da sempre animano la religiosità.
A cura di Lucia Mannini, Anna Mazzanti, Ludovica Sebregondi e Carlo Sisi, la mostra nasce da una collaborazione della Fondazione Palazzo Strozzi con l'Ex Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Firenze, l’Arcidiocesi di Firenze e i Musei Vaticani e si inserisce nell’ambito delle manifestazioni organizzate in occasione del V Convegno Ecclesiale Nazionale, che si terrà a Firenze tra il 9 e il 13 novembre 2015, nel quale è previsto anche l’intervento di papa Francesco.
Bellezza divina approfondisce e contestualizza circa cento anni di arte sacra moderna, partendo dagli anni cinquanta dell’Ottocento – quando le espressioni artistiche più moderne furono incoraggiate dalla Chiesa di Pio IX – arrivando fino all’Anno Santo 1950, attraverso un percorso che mette a paragone i migliori esempi nati nel panorama italiano e internazionale, risaltandone il dialogo e le relazioni e in alcuni casi i le criticità nel rapporto fra arte e sentimento del sacro. Una "bellezza divina" che assume il significato di una grazia che dà sostanza estetica alla forma, in opere che sprigionano ognuna una spiritualità diversa e unica.
Indiscussi protagonisti della mostra sono opere come L’Angelus di Jean-François Millet, magnifico prestito dal Museé d’Orsay di Parigi, opera che emana una religiosità atavica, un senso del sacro trasversale e universale; la Pietà di Vincent van Gogh dei Musei Vaticani, importantissimo perché – nonostante la vocazione religiosa e mistica – l’artista ha rappresentato di rado soggetti sacri, e lo ha fatto ispirandosi a opere di altri autori; la Crocifissione di Renato Guttuso delle collezioni della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, opera emblematica con un’intensa connotazione politica che esprime, come Guernica, un grido di dolore, la Crocifissione bianca di Marc Chagall, proveniente dall’Art Institute di Chicago, l’opera d’arte più apprezzata da papa Bergoglio.
Dalla mostra si intuisce che, al di là di qualche pregiudizio, il rapporto tra arte e sacro non abbia mai subito censure significanti, ma al contrario, come ogni artista abbia sentito la necessità di confrontarsi in qualche modo, magari in modi conflittuali, con la dimensione della soprannaturalità, e così pure come l’ambiente di fede abbia a sua volta spesso sentito la necessità di riconoscere nell’arte una via alta di espressione dei propri contenuti, anche in questo caso non in modo uniforme, ma attraversando gli spazi della sacralità liturgica, di quella devozionale o di quella semplicemente spirituale.
Di qui l’importanza della mostra che mette in risalto quanto universale e quanto ricco sia stato il confronto tra arte e sacro.
Dopo un periodo d’identificazione dell’arte cristiana con lo “storicismo”, dalla fine dell’Ottocento si è protratto il tentativo di individuare un linguaggio che fosse aderente ai tempi, per cui, nel corso del Novecento, l’arte sacra si esprime tramite l’affiancarsi di linee interpretative molteplici. Si affermano così una moltitudine di espressioni che trovano riscontro nelle opere presenti in mostra, dallo stile naturalista e narrativo affine alla pittura di storia di fine Ottocento alle ricerche simboliste di inizio Novecento, dalle ricerche del realismo ottocentesco e novecentesco fino a letture in chiave astratta e controversa. Testimoniano ciò le inaspettate interpretazioni futuriste o quella di Edvard Munch, la cui Madonna diede luogo a pesanti crtiche al punto da essere considerata una delle immagini mariane più provocatorie dell’Ottocento.
LA MOSTRA
La mostra è organizzata in sette sezioni. In quella introduttiva (Dal Salon all’altare) dipinti di grandi dimensioni e di altissima qualità testimoniano l’eclettismo degli stili e l’accostamento al tema sacro nella seconda metà del XIX secolo, con opere del tipo I Maccabei di Antonio Ciseri e la Flagellazione di Cristo di William-Adolphe Bouguereau. Tra l’ Ottocento ed il Novecento il soggetto della Madonna (Rosa mystica) assume particolare importanza nel momento in cui si diffonde l’estetica del Simbolismo, e gli artisti vi trasmettono il loro forte desiderio di ascesi. Lo testimoniano ad esempio Domenico Morelli con la sua Mater purissima.
L’enorme sezione centrale della mostra procede secondo la narrazione evangelica: dopo l’Annuncio fatto a Maria prosegue con Miracoli e parabole, Passione, Via Crucis, Crocifissione, Deposizione e Resurrezione (con opere, tra l’altro, di Glyn Warren Philpot, Maurice Denis, Giuseppe Capogrossi, Odilon Redon, Arturo Martini, Stanley Spencer, Georges Rouault, Otto Dix, Pablo Picasso, Marc Chagall, Renato Guttuso, Lucio Fontana, Emilio Vedova).
Lungo tutta la mostra le opere sono presentate secondo un andamento fondamentalmente cronologico che mette a confronto espressioni artistiche assai distanti tra loro, e che hanno spesso affrontato il sacro con attualizzazioni significative e profonde. Si esemplificano così le diverse tendenze e i conflitti espressivi nel rapporto fra arte e sentimento del sacro.
In questa situazione si inserisce una sezione dedicata a Gino Severini: la decorazione murale tra spiritualità e poesia, che attraverso una selezione di opere illustra il dialogo filosofico con Maritain, cui segue una video-installazione, Spazi del sacro, che mostra le diverse soluzioni adottate, fra Ottocento e Novecento, nella realizzazione e decorazione degli edifici del culto cattolico, evidenziando anche lo stretto collegamento con il Rito. La penultima sezione studia la rappresentazione della Chiesa (lo attestano opere di Adolfo Wildt, Scipione, Henri Matisse) con una riflessione sul versante pubblico della religione, mentre la parte finale è rivolta alla dimensione privata e intima della Preghiera (con dipinti quali il celeberrimo Angelus di Millet e l’elegantissima Vergine di Felice Casorati).
In occasione di questa mostra sono stati portati a conclusione dieci importanti restauri: tra gli altri, I Maccabei di Antonio Ciseri, Il Redentore di Giuseppe Catani Chiti, L’Annunciazione di Vittorio Corcos, il Figliol prodigo di Ulteriori articoli di questa categoria:
